Paris Vox (avec le CNC) – Paris est la plus belle ville du monde ! Au risque de décevoir titis et gavroches, il se pourrait que la sentence péremptoire ne soit pas ou plus communément partagée. Seuls les apaches s’en étaient peut-être déjà convaincus. Oh certes, on peut comprendre que Jean-Baptiste Gresset ait pu écrire qu'”on ne vit qu’à Paris, et l’on végète ailleurs.” Paris jouit d’un prestige mondial inégalé et la Ville lumière offre, il est vrai, un remarquable exemple d’unité architecturale du 19ème siècle, un petit joyau d’orfèvrerie dessiné par le préfet Georges-Eugène Haussmann. La révolution haussmannienne ne manqua néanmoins pas de se faire au détriment d’un Lutèce définitivement enterré et du Paris médiéval, cher à Victor Hugo, dont il ne subsiste plus ça-et-là que quelques minuscules quartiers, vestiges d’îlots villageois, perdus au centre de voraces immeubles. “Respirer Paris, cela conserve l’âme”, écrivait d’ailleurs l’auteur de Notre-Dame. Mais respire-t-on encore Paris ?, cette vieille dame au maquillage dégoulinant qui ne survit plus que grâce au souvenir de ses heures joyeuses et insouciantes d’une vieille gloire perdue. Il est vrai qu’il est de bon ton aujourd’hui de mépriser l’oppression citadine. “Qui est assez fort pour vivre désormais dans les villes qui prolifèrent comme des cancers ? Et qui est assez fort pour n’y plus vivre ?”, questionnait Raymond Abellio. L’injustice certaine de la métaphore de la vieille dame peut certainement, et doit !, s’appliquer à toutes les cités tentaculaires. Que les Parisiens, qui eux-aussi n’aiment pas Paris mais ne peuvent vivre ailleurs, pour reprendre la formule d’Alphonse Karr, nous excusent de la férocité du langage. Mais il sera autorisé d’être plus féroce à l’égard de Paris que de Londres ou Berlin tant il faut être le plus dur avec soi-même. Paris est devenue sale, Paris est devenue dangereuse, Paris est devenue moche, Paris est devenue aussi ennuyeuse que la province française… Telle une fille de Pigalle, Paris a perdu son âme en s’offrant à l’étranger, qu’il soit provincial en quête de reconnaissance sociale ou étranger en conquête de reconnaissance territoriale. Il paraît que c’était mieux avant ! C’était en tout cas différent et Paris n’avait pas à s’infliger de condenser en son sein un échantillon exhaustif de cultures africaines et orientales qui ont cessé de coexister avec le titi depuis bien longtemps en l’étouffant et le remplaçant. Oui, Paris a perdu de sa superbe de jour comme de nuit. Il en va jusqu’à l’Ecole de Guerre économique qui publia, voilà deux ans, un pamphlet des plus sérieux et remarquablement détaillé au titre inquisiteur : Pourquoi les nuits parisiennes (et ne créent pas d’emploi). Elles le sont d’autant plus depuis un certain 13 novembre… Il n’y a plus qu’à espérer une nouvelle Commune. Les Versaillais sont déjà arrivés place de la République…

 

CHERI

Film franco-anglo-allemand de Stephen Frears (2009)*

Paris au début du vingtième siècle. Léa de Lonval est une riche courtisane qui entame sa fin de carrière après le retour de son comte russe dans son pays natal. Approchant la cinquantaine, elle n’en demeure pas moins d’une beauté toujours aussi remarquable. Mais le déclin de son activité de courtisane est inéluctable. Aussi, Léa s’autorise-t-elle de séduire Chéri, de son véritable nom Fred Peloux, 19 ans et jeune fils de Charlotte, une ancienne consœur et rivale. Ces six années passées auprès de Nounoune, ainsi que Chéri la surnomme, lui apprennent un savoir inestimable sur l’amour et les femmes. La mère du jeune homme entend bien désormais mettre un terme à la relation afin que Chéri se construise un avenir. Chéri est promis à Edmée, fille unique de Marie-Laure, autre courtisane. Les amants savent désormais que les jours de leur relation sont comptés. Si chacun feint l’indifférence, il se pourrait que leur lien amoureux soit plus fort qu’ils ne voulaient bien l’admettre. Leur liaison ne devait ainsi durer qu’une saison…

Le Chéri de Frears constitue la seconde adaptation du roman éponyme de Colette après une première par Pierre Billon en 1950. Avec plusieurs scènes tournées en Angleterre et à Biarritz, Chéri n’est pas un film parisien stricto sensu. Il demeure néanmoins une plaisante illustration de société mondaine parisienne de la Belle époque que le réalisateur dénature quelque peu en anglicisant largement l’œuvre. Si les costumes et décors du Vieux Paris sont majestueusement représentés, le film manque cruellement de souffle. Frears se trompe rarement au cinéma. Il s’emmêle pourtant ici les pellicules. Michelle Pfeiffer n’en demeure pas moins époustouflante, comme toujours, dans un rôle d’amante initiatrice, prisonnière d’un monde bourgeois qui la quitte petit à petit mais dont la courtisane refuse d’abandonner les artifices.

 

LE DERNIER TANGO A PARIS

Titre original : Ultimo tango a Parigi

Film franco-italien de Bernardo Bertolucci (1972)

De nationalité américaine et d’âge mûr, Paul s’est établi à Paris. Sa femme qu’il n’est jamais vraiment parvenu à comprendre s’est suicidée récemment. Il n’en demeure pas moins anéanti par la mort de Rosa. Tandis qu’il visite un grand appartement désert à louer par une matinée d’hiver, Paul fait la connaissance de Jeanne, jeune parisienne aussi belle qu’envoutante. Les deux êtres font l’amour dans le lieu sans rien connaître de l’autre, pas même le prénom. L’américain loue l’appartement dans lequel il donne rendez-vous à Jeanne pour leurs ébats sexuels d’une violence sans cesse croissante. Rapidement, la situation devient insoutenable. Paul est ivre de sexe et de mort. Car comble de l’horreur, le cadavre de sa femme gît dans l’une des chambres de l’appartement du seizième arrondissement, dans laquelle Paul lui rend visite avant de décider de l’inhumation. Progressivement, le brutal Paul se dévirilise complètement au contact de la mystérieuse Jeanne qui prend l’ascendant sur lui…

Le film se déroule sur trois jours qui s’échelonnent du suicide de Rosa à ses obsèques. Trois jours pendant lesquels les deux héros se livrent à des jeux érotiques désespérés et violents ; chacun retournant ensuite à ses préoccupations quotidiennes. Né d’un fantasme de Bertolucci, le film provoqua un scandale monstre, de par ses scènes de sexe, jugées bien au-delà de la révolution sexuelle nouvellement admise, au point que l’œuvre fut classée X dans nombre de pays dont la France. Bertolucci et ses deux acteurs principaux furent même condamnés par la justice italienne pour pornographie, sur pression du Vatican. On a vu pire depuis… Le réalisateur évoque avec son indiscutable talent le Paris post-soixante-huitard tandis que certaines images du quartier Montparnasse raviront les nostalgiques. Marlon Brando et Maria Schneider sont au sommet de leur art ; l’allemande qui n’en ressortit pas moins traumatisée par certaines scènes et ne pardonna jamais au réalisateur. Il y aurait encore mille choses à écrire au sujet de ce chef-d’œuvre de critique des rapports humains contrariés par la nouvelle redéfinition des schémas socio-sexuels entre hommes et femmes. A voir absolument !

 

DOUCE

Film français de Claude Autant-Lara (1943)

L’année 1887 à l’approche des fêtes de la Nativité, la comtesse de Bonafé héberge dans son hôtel particulier son fils le comte Engelbert et sa petite-fille Douce, âgée de 17 ans. Irène Comtat est la gouvernante de la jeune Douce. La jeune fille est follement amoureuse de Fabien Marani, le régisseur, dont Irène est l’amante. Si le régisseur caresse l’idée de faire naviguer Irène jusqu’au Canada, afin de s’établir avec sa chère et tendre, cette dernière ambitionne plutôt des épousailles avec Engelbert, veuf depuis peu. Marani s’aperçoit de la duplicité d’Irène après que le comte ait demandé en mariage la douairière. Tandis que la comtesse entre dans une rage folle, Marani se venge en enlevant la jeune Douce, fort consentante à cette idée au demeurant. Les turpitudes bourgeoises de la maisonnée ne manquent pas de scandaliser le Tout-Paris. Devenus amants, le régisseur et Douce se rendent à une représentation théâtrale à l’Opéra comique. Un incendie ravage bientôt les lieux…

La satire sociale constitue l’une des clés du cinéaste réprouvé Autant-Lara. Issue d’une adaptation du roman éponyme de Michel Davet, la présente œuvre ne déroge pas à la règle et l’hypocrisie de la bourgeoisie parisienne y est allégrement épinglée. Et finalement, la classe populaire en prend également pour son grade. Douce est bien plus qu’un simple mélodrame comme le cinéma sous l’Occupation a pu en fournir parmi les plus insipides. La censure vichyssoise entreprit de supprimer quelques répliques jugées trop critiques à l’égard des mœurs de la bonne société conservatrice et plus ostentatoirement qu’intrinsèquement catholique. Par bonheur, il fut possible de les restaurer par la suite. Autant-Lara est définitivement un cinéaste non-conforme et on revoit toujours avec le même plaisir Odette Joyeux à l’écran. La reconstitution du Paris de la fin du 19ème siècle est, en outre, formidablement faite.

 

LE FABULEUX DESTIN D’AMELIE POULAIN

Film français de Jean-Pierre Jeunet (2000)

Lorsqu’elle était enfant, son père lui a diagnostiqué un cancer qu’elle ne portait pas. Aujourd’hui âgée de 22 ans, Amélie Poulain est serveuse dans un bar-tabac de la butte Montmartre. Un trésor caché dans sa salle de bains et Amélie découvre un coffret empli de souvenirs d’enfance qu’elle entend bien restituer à son propriétaire. De nature profondément débonnaire, faire le bonheur des autres est la plus belle récompense de la jeune femme. Chaque jour, elle observe les gens et se laisse emporter par son imagination fertile. Sans l’air d’y toucher, la serveuse intervient dans la vie de chacun pour arranger les petits tracas quotidiens de tous ceux qui entourent son monde enchanté. Plus que tout autre, Nino Quincampoix recueille toute l’attention d’Amélie. Quincampoix dont la vie est rythmée par le train fantôme et la fréquentation d’un sex-shop et qui cherche inlassablement à retrouver les visages des photos d’identité oubliées dans les Photomatons. Ne pensant qu’aux autres, la belle Amélie en arriverait presque à oublier son propre bonheur. Il lui apparaîtra sous les traits de Quincampoix….

Delicatessen, La Cité des enfants perdus, L’Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet…, cinéaste avare en réalisations, Jeunet, passé maître dans le cinéma français en matière de création d’un univers, ne cesse d’approcher les plus grands. Et pourtant, il manque toujours ce petit quelque chose. Amélie Poulain ne déroge pas à la règle bien qu’il demeure un excellent film qui fonctionne comme un machine à remonter le temps. On a envie de s’immerger dans ce Montmartre disparu. Jeunet excelle dès lors qu’il s’agit d’offrir au spectateur une galerie de personnages tous aussi tendres que loufoques. Un film qui rend tout simplement joyeux, même les plus irascibles grincheux, à l’exception notable des xénophiles fanatiques qui se plaignirent du peu de diversité ethnique de ce Paris féérique et qui se délectent qu'”un drapeau frappé d’un croissant flottera sur Paris”… Jeunet livre un plaisant hommage au village parisien.

 

LES MYSTERES DE PARIS

Film français de Jacques de Baroncelli (1943)

En 1820 à Paris, Fleur de Marie est une jeune femme habituée aux quartiers les plus infâmes. Un certain Rodolphe l’extraie des bas-fonds. Ce mystérieux personnage s’avère en réalité être le grand Duc de Gerolstein, parti à la recherche d’une fille qu’il eût autrefois avec la comtesse Sarah MacGregor, sa maîtresse à la méchanceté diabolique, qui fit disparaître l’enfant. MacGregor ne voit pas d’un bon œil que Gerolstein s’entiche à venir en aide à la pauvresse dont le cœur est d’une pureté sans faille. L’amante fait enlever Fleur et la séquestre à la prison Saint-Lazare. Le duc bienfaiteur part de nouveau en quête, cette fois à la recherche de Fleur. Mais se pourrait-il que Fleur et l’enfant disparu constituent la même personne ?…

Le roman éponyme d’Eugène Sue fut l’objet de nombreuses adaptations à la qualité inégale. Plus encore que la version d’André Hunebelle en 1962, l’œuvre de Baroncelli demeure la meilleure adaptation du pavé de l’auteur du 19ème siècle. Il est vrai que le Baron de Baroncelli, cinéaste prolixe, n’en était pas à son coup d’essai en matière d’adaptation cinématographique de classiques de la littérature française. Le film est servi par une talentueuse pléiade de premiers et seconds rôles tandis qu’un grand soin est apporté aux costumes et décors malgré la disette qui frappait la production cinématographique sous l’Occupation. La réalisation a néanmoins quelque peu vieilli et d’aucuns jugeront la mièvrerie de certaines scènes parfaitement insupportable.

 

LES RENDEZ-VOUS DE PARIS

Film français d’Eric Rohmer (1995)

Paris n’est-elle pas la ville de l’Amour ? Esther est très amoureuse d’Horace. Tout s’effondre lorsqu’un ami l’informe que Monsieur entretient des rendez-vous galants avec d’autres femmes dans un café du parvis de Beaubourg. Esther pense piéger Horace en utilisant un beau jeune homme et Aricie, une jeune femme à propos de laquelle elle ignore qu’elle est une récente conquête de son ami. Benoît enseigne la philosophie en province mais réside en banlieue parisienne. Il rencontre un jour une jeune femme qui s’ennuie de son fiancé et de leur relation morne. Une histoire d’amour naît entre les deux êtres mais la jeune femme ne parvient pas à quitter son fiancé jusqu’à ce qu’elle le croise par hasard en galante compagnie dans un quartier de Paris. Une suédoise débarque dans la capitale pour visiter la ville. Une jeune peintre lui sert de guide. La jeune scandinave est loin d’être impressionné par la peinture du gavroche. Vexé, il fixe néanmoins à la femme dans un restaurant le soir. Le peintre fait la connaissance d’une autre femme un peu plus tard qui, elle, se montre enthousiasmée par son coup de pinceau. Mais elle doit retourner auprès de son mari. Le peintre se résigne à rejoindre la suédoise au restaurant. Qui ne vient pas…

Film composé de trois sketches présentant autant de jeux de séduction dans autant de quartiers parisiens. Ces trois histoires sublimées par le talent impressionniste de Rohmer enseignent la vanité des apparences trompeuses et de la frivolité des cœurs. D’aucuns jugeront le scénario trop intellectualisant avec des paroles trop empreintes et précieuses de littérature. De Beaubourg au Marais, en passant par Montparnasse et Luxembourg, Rohmer offre une balade romantique et désenchantée de cette capitale romantique qu’est Paris. Ce film est une carte-postale. Rohmer excelle une fois de plus. C’est une bonne habitude pour ce cinéaste non-conforme que fut le regretté Rohmer, décédé il y a six ans.

 

LA TRAVERSEE DE PARIS

Film franco-italien de Claude Autant-Lara (1956)

Paris est occupée par les armées du Reich en cette année 1943. La pénurie d’essence, sévissant en France, réduit à l’inactivité le chauffeur de taxi Marcel Martin. Le chauffeur survit en transportant clandestinement des colis destinés à l’alimentation du marché noir. L’activité n’est pas sans risque et Martin apprend que son compère vient d’être arrêté par la police. Il lui faut le remplacer au plus vite. Dans un bistrot, Martin fait la connaissance impromptue de Grandgil, qu’il prend pour un plâtrier, qui acceptera d’entreprendre la traversée de Paris. Le duo se rend chez Jambier, épicier de la rue Poliveau. L’épicier les charge de convoyer un cochon réparti dans quatre valises dans une boucherie de la rue Lepic. Six kilomètres périlleux au cours desquels toutes les péripéties peuvent se produire. A plus forte raison lorsque le nouvel acolyte Grandgil se révèle vite incontrôlable…

Librement inspiré de la nouvelle éponyme de Marcel Aymé, Autant-Lara signe l’un des films les plus cultes du cinéma français, remarquablement emmené par le trio gouailleur Bourvil, Louis de Funès et Jean Gabin. Les répliques cinglantes font mouche, surtout lorsqu’il s’agit de railler l’enrichissement scandaleux de certains Français sur le dos de ces “Salauds de pauvres” qui ont tout autant à se reprocher avec les compromis qui deviennent des compromissions et les petites lâchetés du quotidien. La réalisation au vitriol ne manqua d’ailleurs pas de choquer les bonnes consciences qui préféraient garder un souvenir plus manichéen de l’Occupation, en cette période des Trente glorieuses lorsque le film sortit en salles. Le cinéma français est sur le point d’enfanter la Nouvelle vague qui rebat toutes les cartes de l’art cinématographique. Un certain cinéma populaire va disparaître. Il est interdit de ne pas l’avoir vu !